La Top Ten Mediacritica 2017

martedì 26 Dicembre, 2017 | di Redazione Mediacritica

Top Ten Mediacritica 2017

Facciamo finta di essere in un musical in cui possiamo iniziare a cantare e a ballare quando e dove ci pare come se nulla fosse, ma nel quale allo stesso tempo rimangono ben presenti un sottofondo d’amarezza e la consapevolezza delle difficoltà e degli ostacoli della vita; ecco, non è una cosa simile quella che chiediamo al cinema? Proporci cioè una visione anche dura e problematica della contemporaneità e dell’uomo senza dimenticare la magia della narrazione, il coinvolgimento più immediato e la potenza della finzione?

Leggendo la nostra attesa Top Ten la coordinata principale sembra essere questa. A prevalere è proprio quel tipo di cinema, perlopiù statunitense, in cui convivono industria e autorialismo, rispetto dei canoni e poetiche personali, la sospensione dell’incredulità e lo sguardo sul presente: un cinema nel quale la personalità dell’autore non soccombe alle regole e alle aspettative, talvolta assecondandole e talvolta piegandole alle proprie esigenze. Soprattutto però un cinema in cui filtra sempre, che sia più diretta o tra le righe, una lettura del mondo di oggi (Blade Runner 2049 e Arrival, Scappa – Get Out, Personal Shopper, Toni Erdmann, Dunkirk e pure La La Land) o dell’uomo (Manchester by the Sea, Madre!, Elle). Autori – da Nolan a Verhoeven, da Villeneuve a Aronofsky passando per Assayas – discussi, amati e odiati, ma sempre potenti e capaci di smuovere le acque della coscienza e della passione, di parlare alla testa e alla pancia, anche a costo di irritare e far discutere, di far innamorare e di creare cocenti (ma stimolanti) delusioni. Quello che conta leggendo questa classifica è avere la consapevolezza che il cinema sta ancora bene e che continua ad essere il nostro migliore amico, in grado sia di distrarci e divertirci, sia di farci prendere coscienza e sbatterci in faccia la realtà; spesso contemporaneamente nello stesso film. Quindi tanti auguri a tutti, cari e affezionati lettori, nell’attesa di un 2018 altrettanto stimolante, nel vostro privato come in sala o davanti alla tv! Un brindisi alla vostra e… buone visioni!

La top ten 2017 di Andrea Moschioni Fioretti

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1. Blade Runner 2049
2. Scappa – Get Out
3. I figli della notte
4. La tenerezza
5. 120 battiti al minuto
6. Tutto quello che vuoi
7. Dunkirk
8. T2 – Trainspotting
9. La La Land
10. Song to Song

La top ten 2017 di Chiara Checcaglini

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1. Scappa – Get Out
2. La La Land
3. L’altro volto della speranza
4. Dunkirk
5. Blade Runner 2049
6. Split
7. Logan – The Wolverine
8. Gatta Cenerentola
9. A Ciambra
10. Baby Driver – Il genio della fuga

In calce: serie TV nuove: Glow, The Deuce, Big Little Lies, The Handmaid’s Tale, The Punisher; conferme: Stranger Things; bonus Netflix: Okja; dai festival: Tre manifesti a Ebbing, Missouri.

La top ten 2017 di Edoardo Peretti

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1. Madre!
2. La La Land
3. Personal Shopper
4. Sieranevada
5. La tartaruga rossa
6. Vi presento Toni Erdmann
7. Allied – Un’ombra nascosta
8. Blade Runner 2049
9. Jackie
10. L’infanzia di un capo

La top ten 2017 di Eleonora Degrassi
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1. La La Land
2. Madre!
3. Manchester by the Sea
4. Scappa – Get Out
5. Arrival
6. Silence
7. Libere disobbedienti innamorate
8. Elle
9. Baby Driver – Il genio della fuga
10. Cuori puri

In calce: L’altro volto della speranza, La tenerezza, Dunkirk, Easy – Un viaggio facile facile; serie tv: L’altra Grace, Mindhunter, The Handmaid’s Tale, Glow, Orange is the New Black, Gomorra.

La top ten 2017 di Emanuele Rauco
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1. Elle
2. Silence
3. Dunkirk
4. Detroit
5. La La Land
6. Civiltà perduta
7. Austerlitz
8. Jackie
9. Dawson City – Il tempo fra i ghiacci
10. Dopo l’amore

La top ten 2017 di Erasmo De Meo

1. Victoria
2. Personal Shopper
3. Elle
4. Manchester by the Sea
5. A Ciambra
6. Dunkirk
7. In questo angolo di mondo
8. La La Land
9. Song to Song
10. L’infanzia di un capo

In calce: L’inganno, Gatta Cenerentola, Vi presento Toni Erdmann, Le donne e il desiderio, Ritratto di famiglia con tempesta, Easy – Un viaggio facile facile, Tutto quello che vuoi.

La top ten 2017 di Filippo Zoratti
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1. Arrival
2. Manchester by the Sea
3. Scappa – Get Out
4. Una vita – Une vie
5. L’inganno
6. Victoria
7. La La Land
8. Jim e Andy
9. Allied – Un’ombra nascosta
10. Cuori puri

In calce: i guilty pleasure Baywatch, Valerian e Split; la serie tv The Handmaid’s Tale; gli inediti Train to Busan e Close-Knit; dai festival Ex Libris (in attesa dell’uscita in sala) e A Skin So Soft. Colpo di fulmine/performance dell’anno, che non è cinema ma è Cinema: le dance moves di Sam T. Herring dei Future Islands.

La top ten 2017 di Francesco Grieco
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1. La La Land
2. Victoria
3. Star Wars: Episodio VIII – Gli ultimi Jedi
4. Elle
5. Vi presento Toni Erdmann
6. Blade Runner 2049
7. Personal Shopper
8. Scappa – Get Out
9. A Ciambra
10. La tartaruga rossa

In calce: Twin Peaks – Season 3; Jeannette – L’enfance de Jeanne d’Arc, Les garçons sauvages, Les Ogres, Una vita, La Jeune fille sans mains, Napalm, Visages, villages, The Square, L’altro volto della speranza, The White Girl, In questo angolo di mondo, Your Name., Tre manifesti a Ebbing, Missouri, Guardiani della Galassia Vol.2, Cane mangia cane, L’eccezione alla regola; i video di Bjork; Fuggire, L’arte di Charlie Chan Hock Chye, Quaderni giapponesi vol.2, Paesaggio dopo la battaglia.

La top ten 2017 di Gabriele Baldaccini
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1. Nocturama
2. Ammore e malavita
3. Scappa – Get Out
4. Arrival
5. Allied – Un’ombra nascosta
6. Vi presento Toni Erdmann
7. Split
8. La La Land
9. Blade Runner 2049
10. La battaglia di Hacksaw Ridge

In calce: Mindhunter e quella cosa orripilante, inutile e fuori dal tempo che è TP3. Tre libri (italiani) sul cinema: Adriano Aprà – Breve ma veridica storia del documentario. Dal cinema reale alla nonfiction; Claudio Bartolini – Il cinema giallo-thriller italiano; Enrico Giacovelli – Parola di comico. La “slapstick comedy” negli anni d’oro dei cartoon e della commedia sofisticata (1930-1950).

La top ten 2017 di Juri Saitta
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1. Elle
2. La La Land
3. Sieranevada
4. Detroit
5. Jackie
6. Silence
7. Loveless
8. Arrival
9. Ritratto di famiglia con tempesta
10. Baby Driver – Il genio della fuga

In calce: Gatta Cenerentola, Loving, L’altro volto della speranza. Inediti: Closeness, La cordillera.

La top ten 2017 di Leonardo Cabrini
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1. Elle
2. Shin Godzilla
3. The Big Sick
4. Personal Shopper
5. Il cliente
6. Barriere
7. Detroit
8. L’inganno
9. Cuori puri
10. Civiltà perduta

In calce: top ten serie TV: 1. Crazy Ex Girlfriend (Stagioni 2/3); 2. This is Us (Stagione 2); 3. Twin Peaks (Stagione 3); 4. Stranger Things (Stagione 2); 5. Mindhunter (Stagione 1); 6. Master of None (Stagione 2); 7. The Ranch (Stagione 3); 8. The Deuce (Stagione 1); 9. Better Call Saul (Stagione 3); 10. Red Oaks (Stagione 3).

La top ten 2017 di Lisa Cecconi
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1. Detroit
2. Blade Runner 2049
3. Victoria
4. Elle
5. Scappa – Get Out
6. Ritratto di famiglia con tempesta
7. Manchester by the Sea
8. Arrival
9. T2 – Trainspotting
10. Tutto quello che vuoi

In calce: Twin Peaks – Season 3, Big Little Lies.

La top ten 2017 di Luca Giagnorio
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1. Vi presento Toni Erdmann
2. Arrival
3. Manchester by the Sea
4. Suburbicon
5. La La Land
6. L’altro volto della speranza
7. Nico, 1988
8. Silence
9. The Founder
10. Il cliente

In calce: Non è ancora uscito nelle sale italiane ma sarebbe stato in alto in classifica, Il Leone d’Oro di Venezia 74, The Shape of Water.

La top ten 2017 di Marco Longo
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1. Elle
2. Vi presento Toni Erdmann
3. Dawson City – Il tempo tra i ghiacci
4. Song to Song
5. Sieranevada
6. Personal Shopper
7. Detroit
8. 120 battiti al minuto
9. Manchester by the Sea
10. L’altro volto della speranza

In calce: Twin Peaks – Season 3, The Deuce.

La top ten 2017 di Maria Cristina Andrian
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1. Il diritto di contare
2. Thor: Ragnarok
3. Smetto quando voglio – Ad Honorem
4. Wonder Woman
5. Seven Sisters
6. Star Wars: Episodio VIII – Gli ultimi Jedi
7. Spider-Man: Homecoming
8. Borg McEnroe
9. Paddington 2
10. Addio fottuti musi verdi

In calce: Premio Pandoro 2017 al fumetto Un grosso morbidoso bozzolo felice e al videogame Horizon Zero Dawn.

La top ten 2017 di Martina Bigotto
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1. Star Wars: Episodio VIII – Gli ultimi Jedi
2. Lo spazio che ci unisce
3. Dunkirk
4. La La Land
5. Blade Runner 2049
6. Il diritto di contare
7. Valerian e la città dei mille pianeti
8. Wonder Woman
9. Thor: Ragnarok
10. Life – Non oltrepassare il limite

In calce: le serie TV Le ragazze del centralino, Frontiera, Mars. Inediti: Orbiter 9, Il tempo dei primi, Matilda e Finding Altamira. Miglior documentario: The Farthest.

La top ten 2017 di Martina Farci
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1. La La Land
2. Dunkirk
3. Arrival
4. Loving Vincent
5. Manchester by the Sea
6. Scappa – Get Out
7. Baby Driver – Il genio della fuga
8. Blade Runner 2049
9. Your Name.
10. L’inganno

In calce: Big Little Lies, Tredici, Mindhunter.

La top ten 2017 di Massimo Padoin
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1. Personal Shopper
2. Dunkirk
3. Elle
4. It
5. Blade Runner 2049
6. Good Time
7. Arrival
8. Silence
9. The Square
10. Baby Driver – Il genio della fuga

In calce: le serie Tv Fargo 3, Mindhunter e, oltre ogni classificazione, Twin Peaks – Season 3. Videogame: Prey.

La top ten 2017 di Michele Galardini
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1. Madre!
2. Vi presento Toni Erdmann
3. The Square
4. Jackie
5. A Ciambra
6. Baby Driver – Il genio della fuga
7. La cura dal benessere
8. La tartaruga rossa
9. Guardiani della Galassia Vol. 2
10. La ruota delle meraviglie

In calce: non poteva entrare in classifica (noi mediacritici non cediamo alle facili tentazioni come i colleghi dei Cahiers) ma la terza stagione di Twin Peaks – Season 3 è la cosa più bella dell’anno e forse del millennio appena iniziato. Al tempo stesso The Disaster Artist sarà la cosa più bella del prossimo anno, sapevatelo.

La top ten 2017 di Teresa Nannucci
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1. Madre!
2. Manchester by the Sea
3. L’inganno
4. Scappa – Get Out
5. Star Wars: Episodio VIII – Gli ultimi Jedi
6. Il cliente
7. Blade Runner 2049
8. T2 – Trainspotting
9. La La Land
10. Silence

In calce: Premio Panta Rei a Twin Peaks – Season 3.

La top ten 2017 di Vincenzo Palermo
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1. Star Wars: Episodio VIII – Gli ultimi Jedi
2. Blade Runner 2049
3. Elle
4. Personal Shopper
5. Allied – Un’ombra nascosta
6. Arrival
7. Dunkirk
8. La La Land
9. Jackie
10. Scappa – Get Out

In calce: Victoria, La ruota delle meraviglie, The Bad Batch, L’infanzia di un capo, Split, Happy End; Serie tv: Twin Peaks – Season 3, Stranger Things – Season 2, Dark – Season 1, Mindhunter – Season 1.

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La Top Ten Mediacritica 2017

1. La La Land
2. Elle
3. Scappa – Get Out
4. Blade Runner 2049
5. Arrival
6. Dunkirk
7. Manchester by the Sea
8. Personal Shopper
9. Vi presento Toni Erdmann
10. Madre!

La Top Ten Mediacritica 2017 è basata sulle singole classifiche dei nostri collaboratori. Abbiamo assegnato 10 punti al film in cima alle top ten personali, 9 al secondo... e via via in ordine decrescente. La votazione tiene conto esclusivamente dei film usciti nelle sale italiane o distribuiti in Italia da piattaforme online dal primo gennaio 2017 ad oggi.

1. La La Land

Brindiamo ai sognatori
Per fortuna che c’è Damien Chazelle che con il suo cinema ci dimostra che si può ancora sognare - certo impegnandosi con dedizione - e raggiungere i nostri scopi. Un cinema “antico”, assoluto nella sua messa in scena “maniacale”, ma anche avanguardistico: La La Land ne è un esempio completo. Quello che è stato uno dei trionfatori ai premi Oscar 2017, è un bignami per chi ancora crede ai sogni: il film pensato da anni e finalmente realizzato, due interpreti che si stanno riscattando ricevendo premi su premi, un possibile ritorno ai fasti del passato per l’industria cinematografica americana, un invito a vivere la vita con più leggerezza. La La Land è un musical quasi atipico, in cui la bulimia dei pezzi musicali non stona con il resto del film, riuscendo a catturare anche lo spettatore meno predisposto, e se inizialmente la trama sembra essere il classico pretesto, nel finale raggiunge una suo autonomo significato. Se si scava sotto la storia d’amore tra Mia e Sebastian, emerge una critica al sistema dello spettacolo pronto a divorarti e soprattutto, una volta entratoci, a cambiarti, come dimostrano gli ultimi venti minuti del film. E da questo si può ripartire per analizzare il lavoro di Chazelle che, come scritto da tutti in questi giorni, è un omaggio sì a tutto il cinema classico dei tanti Minnelli, Donen e Fosse, ma anche alle storie melanconiche di Allen. Come ad esempio Io e Annie in cui, come qua, la città è antagonista alle vicende e fa da sfondo ai turbamenti amorosi ed esistenziali dei personaggi. E come non pensare al recente Café Society sia per la fotografia coloratissima e le ambientazioni, che seppur di epoche diverse, richiamano un certo stile vintage; e i protagonisti che fanno quasi gli stessi mestieri, e sono destinati ad un finale analogo sottolineato da affini sguardi prima delle parole The End? Due registi apparentemente agli antipodi, ma che dialogano tra loro con un’ideale pessimismo amoroso, sincero e per questo molto verosimile. La La Land è un gran film anche per questo: perché sa giocare con la “banalità” ampliandone i connotati nel momento esatto in cui i sogni si tramutano in qualcosa di difficile da governare. E allora non resta che esprimersi con una canzone e un tip tap, alla luce dei fari della notte, e tutto sembra più facile. Gosling e la Stone ormai nell’olimpo delle coppie cinematografiche classiche, Chazelle un maestro furbo ma sincero. Attendiamo il successo.

La La Land [id., USA 2016] REGIA Damien Chazelle. CAST Emma Stone, Ryan Gosling, J.K. Simmons, Finn Wittrock, Sonoya Mizuno. SCENEGGIATURA Damien Chazelle. FOTOGRAFIA Linus Sandgren. MUSICHE Justin Hurwitz. Musical/Commedia/Drammatico, durata 127 minuti.

2. Elle

Questione amorale
Michèle Leblanc, manager di un’azienda di videogame, viene violentata brutalmente nella sua abitazione. Tornata alla solita routine, tra schermaglie verbali col figlio e uscite insieme all’amica, all’amante e all’ex marito, la donna sembra razionalizzare l’accaduto fin quando il ritorno dello stupratore non innesca una sfida al gatto e al topo. Solo che il topo non è Elle. Non solo per i guizzi felini dell’interpretazione memorabile di Isabelle Huppert, corpo vellutato e tagliente, ma anche perché è proprio la protagonista imperturbabile a mettere in scacco il suo nemico in un torbido stillicidio psicologico. Alle (re)azioni delle altre donne di Verhoeven – dall’emancipazione di Kitty Tippel nella pellicola omonima del 1975 alla “triplice intesa” di moglie, amante e lolita in Tricked – subentra la rielaborazione del tragico sotto forma di narrazione eversiva. La realtà che irrompe in Elle, volutamente poco verosimile e artificiosa, sembra il resoconto romanzesco del trauma trasfigurato in commedia à la française, con il potere alchemico della trasmutazione: dell’orrore in divertissement, del patetico in farsa sofisticata. Siamo quasi spronati a chiederci se quello che vive Michèle, viaggio di scoperta e redenzione di se stessa contro il nemico nell’ombra e contro un passato di nefandezze familiari, sia reale o solo immaginario. Che sia solo un inganno svelato fin dalla prima sequenza, poco importa; in fin dei conti è nelle corde del cineasta considerare la vita stessa un tranello feroce e spietato. Lo stupro diviene quindi atto epifanico e metafora della società psicogena, mentre le molte vite della donna si ripercuotono in un corto-circuito di dolore insozzato dal sangue paterno e da una perversione congenita agitata da fantasmi hanekiani. Elle acquista così la valenza di pronome personale con intorno un universo grottesco denso di significati: madre di un figlio impacciato, oggetto sessuale di un collega, manager di successo, vittima e carnefice di uno stupratore seriale. Dal bordello marziano di Atto di forza, Verhoeven ci conduce nuovamente nel postribolo, stavolta orbitante nella caricaturale borghesia transalpina in cui Michèle è dominatrix assoluta: cuore raggelato, mente lucida, inabile al martirio. A nutrirsi di ogni scoria impazzita di amoralità è proprio l’antieroina che, come la realtà virtuale in cui sguazza libera, diventa espansione della libido sfidando ogni convenzione imposta. E pensare che in Oh…, racconto di Philippe Djian a cui si è ispirato David Birke per trarre lo script del film, Michèle non è più la cinica manipolatrice di pericolosi giochi digitali, ma il capo di una ditta di sceneggiature cinematografiche. La vita, sembra dirci da anni il regista, si guarda attraverso lo schermo e talvolta si lascia anche (ferocemente) giocare.

Elle [Id., Francia/Germania 2016] REGIA Paul Verhoeven. CAST Isabelle Huppert, Laurent Lafitte, Anne Consigny, Charles Berling, Virginie Efira. SCENEGGIATURA David Birke (tratta dal romanzo di Philippe Djian Oh…). FOTOGRAFIA Stéphane Fontaine. MUSICHE Anen Dudley. Drammatico/Commedia/Thriller, durata 130 minuti.

3. Scappa – Get Out

Try to smoke alone
Stroncando The Birth of a Nation, auspicavo qualche mese fa la fine dell’ondata di film politicamente impegnati e di non eccelso valore estetico con protagonisti afroamericani, in sostanza l’equivalente, in termini di prodotto hollywoodiano, della politica poco coraggiosa, tutto fumo e, per i miei gusti, non abbastanza di sinistra di Obama. Ero stanco di sorbirmi altra inefficace retorica antirazzista, condita con violenza estetizzata e involontariamente di cattivo gusto, utilizzata per suscitare indignazione nelle anime belle più politically correct. Poi sono arrivati nelle sale italiane i convenzionali ma godibilissimi Moonlight e Il diritto di contare, e in seguito il riuscito I Am Not Your Negro. E ho pensato che, per fortuna, sugli schermi quest’anno non ci è toccato solo il teatro filmato di un Denzel Washington incapace di dirigere se stesso. Non ascoltate il bastian contrario Armond White, che l’ha definito in modo sprezzante “un Obama movie per fan di Tarantino”: Scappa - Get Out, invece, ha proprio quella perfetta commistione di ritmo, tensione, umorismo e spavento che abbiamo amato tanto nei film di John Landis. E non fa sconti a nessuno. Se i bianchi sono i “cattivi” del film, e nascondono, dietro l’apparenza ipocrita e un’esplicita ammirazione per Obama, una volontà di assoggettamento dell’Altro di stampo neonazista, i personaggi secondari “black”, ad eccezione dell’esilarante ma provvidenziale aiutante telefonico Rod, sono corpi senz’anima, conformatisi, come nel video di Lately degli Skunk Anansie, al sorriso ebete dei WASP, alla loro singolare idea di integrazione razziale e pacificazione politica. Per quasi tutto il film, il protagonista Chris, che ha la mimica eccezionale di Daniel Kaluuya (Sicario, la serie cult Black Mirror), i suoi piani d’ascolto esterrefatti, è completamente isolato, anche telefonicamente, nella casa dei genitori della sua fidanzata bianca, Rose. Il sorprendente talento registico di Jordan Peele, attore comico e drammatico di madre bianca e padre nero − proprio come Barack Obama, che Peele ha anche imitato nello show televisivo Key & Peele – fa di Chris, nella violentissima parte finale, una sorta di Ben romeriano, in fuga da demoni reali e interiori (il “sunken place” diacronico, tutto mentale, in cui sprofonda ipnotizzato). Anche se gli omaggi al cinema del terrore del passato sono innumerevoli, Get Out è un film Blumhouse, quindi contemporaneo, nell’estetica e nel piglio, al cento per cento. Con Get Out, la casa di produzione di Jason Blum (Sinister, Oculus, Split, Paranormal Activity) scopre l’horror comico, e continua a rivoluzionare, senza dimenticare la tradizione dei grandi maestri del passato, il cinema orrorifico dei giorni nostri.

Scappa - Get Out [Get Out, USA 2017] REGIA Jordan Peele. CAST Daniel Kaluuya, Allison Williams, Catherine Keener, Bradley Whitford. SCENEGGIATURA Jordan Peele. FOTOGRAFIA Toby Oliver. MUSICHE Michael Abels. Horror/Commedia, durata 104 minuti.

4. Blade Runner 2049

La verità della memoria
Los Angeles, 2049. In una società devastata dal cambiamento climatico e costretta a drastiche misure di contenimento, la preservazione della razza umana è messa a rischio dagli sviluppi della stessa tecnologia. I replicanti di generazione più avanzata, i Nexus 8, sono banditi da tempo dalla Terra, ma le unità blade runner responsabili della loro terminazione rimangono attive. In missione speciale per esplicare uno di questi ritiri, l’agente K. fa una scoperta inaspettata... Trent’anni dopo gli eventi raccontati da Ridley Scott, Denis Villeneuve (Prisoners, Sicario, Arrival) ci trasporta in scenari post-apocalittici di un mondo alienante e straziato, in cui le continue inondazioni e le saturazioni derivanti dall’accumulo di immagini e luci artificiali delineano atmosfere di inquietante natura distopica. È evidente l’influenza del DNA cinematografico del predecessore, dalla commistione di generi che marca lo stile della rappresentazione (fantascienza e noir in primis) alla colonna sonora di Wallfisch e Zimmer di evidente matrice vangelisiana; dal tessuto narrativo ricco in rimandi e significati multipli - dopotutto, è lo stesso Hampton Fancher, quello del primo Blade Runner, a firmare la sceneggiatura - all’uso espressivo della fotografia, opera di Roger Deakins. L’alternanza contrastata di luce e oscurità è ciò che definisce il microcosmo cittadino di Blade Runner 2049. Ma oltre i confini di una città chiusa su stessa, diverse tonalità di luci e colori – ocra, rosso – dinamizzano gli spazi in cui gli eventi accadono. Esce così, fuori dal suo stesso orizzonte di definizione, il film del regista canadese: fuori dalle limitazioni di un discorso ripetitivo o ossequiante, fuori dal senso restrittivo di un’opera quale (semplice) replicante di se stessa. Blade Runner 2049 aggiorna un discorso iniziato 35 anni fa e, nel presentare una linea di sviluppo plausibile per la storia d’amore tra Deckard e Rachel, si offre anche come risposta al desiderio implicito del morente Roy Batty nel finale del film dell'82: continuare a vedere cose fino a quel momento neanche immaginate. Perchè la potenza espressiva di questi 163 minuti di viaggio nella memoria, di ricerca imprescindibile della verità, di bisogno umano di un’identità definita, risiede nel loro farsi pura esperienza sensoriale. Blade Runner 2049 è un film fatto per essere ascoltato, percepito, assorbito, ma soprattutto visto. Un film elegante nell’accoglienza formale di temi trattati in altre opere – tra le varie, Terminator, A.I., WALL-E, Lei – ma anche un film che crea un suo personale paradigma di senso oltre la ricchezza del testo precedente, nella grandiosità di un montaggio e di una mise-en-scène che conferiscono alla storia un ritmo e un respiro nuovi. Definito da The Guardian "a gigantic spectacle of pure hallucinatory craziness", Blade Runner 2049 è un must-see nel senso letterario dell’espressione, intriso di suggestioni, incontri memorabili e momenti di vibrante intensità. È tempo di andare al cinema.

Blade Runner 2049 [Id., USA/Canada/Gran Bretagna 2017] REGIA Denis Villeneuve. CAST Ryan Gosling, Harrison Ford, Dave Bautista, Jared Leto, Ana de Armas, Robin Wright. SCENEGGIATURA Hampton Fancher, Michael Green. FOTOGRAFIA Roger Deakins. MUSICHE Hans Zimmer, Benjamin Wallfisch, Jóhann Jóhannsson. Azione/Fantascienza/Avventura/Thriller, durata 163 minuti.

5. Arrival

Se l'uomo è l'alieno
Sembra data da un tacito accordo l'uscita nelle sale, a cadenza quasi regolare, di film che arricchiscono e approfondiscono il genere fantascienza. Di certo oggi non basta più la creatura mostruosa e l'orrore elementare che ne consegue, non basta più l'umanizzazione dell'alieno o il pianeta da salvare: lo spettatore odierno è cinico e non si lascerebbe più ingannare – o trasportare – tanto facilmente. Così negli ultimi anni Interstellar, Gravity, The Martian e questo Arrival sono usciti per svelare al pubblico più disilluso quanto la fantascienza, anche con gli ingredienti più tradizionali, abbia ancora molte cose da dire e come, per certi versi, certe cose sappia dirle solo lei. Ecco allora le grandi tute, le voci elettroniche degli extraterrestri, l'incomunicabilità e la solitudine, ecco gli uomini rudi che reagiscono imbracciando armi e caricando cacciabombardieri contro i paladini del genere umano che non sanno negare dignità a tutto ciò che vive. Denis Villeneuve, dopo il grande Sicario, si è caricato di questo compito ed ha seminato sul solco tracciato. «Volevo fare un film di fantascienza ancor prima di avere un soggetto tra le mani» ha detto in un'intervista, riconoscendo il valore del genere anche oltre il valore di una storia e la sua specificità di linguaggio unico. Aiutato da figure carismatiche come Amy Adams e Forest Whitaker costruisce un film il cui tema principale è il capovolgimento, di prospettive e di giudizi innanzitutto. Ed è bello quando a raccontare non è solo la sezione narrativa, ma anche quella visiva. Nel primo contatto Louise e Ian accompagnati da forze speciali militari entrano in quella che una volta sarebbe stata una navicella o un ufo ed oggi sembra un oggetto di design. Superato l'ingresso la gravità sembra annullarsi, ma in realtà sta man mano cambiando direzione, fino all'inquadratura, sublime nella sua semplicità ed efficacia, in cui gli uomini nelle tute arancioni camminano a testa in giù. È un'immagine che parla, che sintetizza, che spiega come per approcciarsi a ciò che è sconosciuto e diverso sia necessario accettare nuovi punti di vista. Louise nel capovolgimento sembra trovare il suo vero punto di vista, il modo per capire ciò che la circonda e per capirsi. È un personaggio complesso, forte e debole allo stesso tempo – e perciò appare vero – che, come altre figure dei film di Villeneuve, è schiacciato e sconvolto dagli accadimenti, ma come in una crisi necessaria alla rinascita. Di fronte alla volontà disinteressata di comunicare degli alieni, lei linguista chiamata ad interpretarli, scoprirà il mutismo e l'orgoglio degli uomini, altro vero tema del film, in cui alla fin dei conti, siamo noi uomini a far la parte dei cattivi, dei distruttori, dei mostri.

Arrival [id., USA 2016] REGIA Denis Villeneuve. CAST Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Tzi Ma. SCENEGGIATURA Eric Heisserer. FOTOGRAFIA Bradford Young. MUSICHE Jóhann Jóhannsson. Fantascienza, durata 116 minuti.

6. Dunkirk

Trovare lo sguardo giusto
Quello di Christopher Nolan è un cinema “ecumenico” per la sua capacità di collocarsi in una zona di mezzo tra il circuito commerciale e quello d’essai. In realtà, piuttosto che in mezzo, esso è sempre stato ubiquo guadagnandosi il rispetto della critica ma non rinunciando mai a tenere per mano lo spettatore occasionale, col risultato di essere a tratti - cosa che a Interstellar molti non hanno perdonato - lezioso o ridondante. Con Dunkirk, il regista ha dovuto calibrarsi e cercare un nuovo sguardo che gli consentisse di parlare di fatti tragici realmente accaduti in modo efficace e, soprattutto, moderno. Da questo punto di vista, il suo nuovo film è ineccepibile poiché sceglie di costruire il meno possibile – o almeno di non farlo in modo “classico” – e di raccontarci una storia corale con un manipolo di personaggi delineati solo dal proprio aspetto e dalle proprie azioni. La dimensione eroica è lontana anni luce, il melodramma è un ricordo del passato (per fortuna non abbiamo più bisogno di soldati che ricevono lettere dalla fidanzata lontana o che custodiscono gelosamente i pendagli della nonna) e le strategie militari sono risparmiate: ci basti sapere che a Dunkirk ci sono 400.000 corpi coi loro bisogni legati alla sussistenza e che bisogna salvarli o le potenze dell’Asse faranno una carneficina e avranno la strada spianata per espandersi nel Regno Unito. I dialoghi sono ridotti all’osso ma ciò non significa che allo spettatore non siano dati dei varchi d’accesso: l’accento della pellicola è tutto posto sull’azione (ma si dovrebbe parlare di sopravvivenza), sulla qualità della scenografia, della ricostruzione storica e sulla fotografia eccezionale che dà il suo meglio nella versione da 70mm, formato usato per l’intero film e non solamente per alcune scene. Dunkirk è da vedere al cinema, essendo pieno di campi lunghissimi che ci mostrano le file di soldati in attesa del proprio turno per imbarcarsi, di conflitti aerei che sembrano fatti apposta per farci sentire all’interno di una scatoletta di metallo con motore Rolls-Royce e quando un siluro colpisce le barche alleate e in pochi secondi cento soldati si trovano a respirare acqua, anche noi saremo costretti a trattenere il respiro insieme all’intera sala. La modernità di Dunkirk si riconosce anche dalla mancanza di temi musicali facilmente riconoscibili: Hans Zimmer si asservisce all’azione creando dei ritmi che seguono e si confondono con i passi di un soldato che corre o il rumore del mare in tempesta. Anche la colonna sonora segue la vocazione al realismo del film che, pur trattandosi di un prodotto di fiction orchestrato fin nei minimi dettagli, sceglie di eliminare le tecniche narrative più appariscenti (a parte nel finale dove Nolan si lascia un po’ andare), una scelta azzeccata che gli consente di mantenere uno sguardo partecipe ma mai artificioso.

Dunkirk [Id., Gran Bretagna/Paesi Bassi/Francia/USA 2017] REGIA Christopher Nolan. CAST Fionn Whitehead, Damien Bonnard, Mark Rylance, Tom Hardy, Kenneth Branagh. SCENEGGIATURA Christopher Nolan. FOTOGRAFIA Hoyte Van Hoytema. MUSICHE Hans Zimmer. Drammatico/Guerra, durata 106 minuti.

7. Manchester by the Sea

Fendere il dolore
A cinque anni di distanza dal precedente Margaret, il regista e sceneggiatore Kenneth Lonergan scrive e dirige il suo film da sei nomination all’Oscar, Manchester by the Sea, un percorso nel dolore e nel lutto familiare. Autoesiliatosi in una vita solitaria e indigente, con un lavoro da custode-tuttofare, Lee Chandler è costretto a tornare al paese d’origine Manchester-by-the-Sea, Massachusetts, in seguito alla morte del fratello Joe, improvvisa ma non del tutto inaspettata a causa di una condizione congenita. Del tutto inaspettato è invece per Lee apprendere che il fratello l’ha designato come tutore del nipote adolescente, Patrick. I piani temporali della passata vicinanza alla famiglia e della lontananza solitaria si alternano, separati dal turning point della tragedia di Lee e della sua ora ex-moglie Randi, che apprendiamo in un flashback drammaturgicamente enfatico e crudo insieme. Quella che fa bisbigliare gli abitanti di Manchester al suo passaggio – “quel Lee Chandler?” – e che segna il momento della fine delle possibilità, più che della quotidiana felicità, perché le precedenti raffigurazioni del quadretto familiare non sono privi di ombre: i litigi tra Lee e Randi (Michelle Williams come sempre intensa), i problemi di alcolismo di Elise, moglie di Joe e mamma di Patrick, che uscirà subito di scena per poi riapparire fugacemente, esteriormente ripulita ma ancora svuotata di una personalità. Nonostante l’irreparabilità della morte che a più riprese colpisce la famiglia Chandler, nonostante il volto annichilito di Casey Affleck, nonostante il focus sulla rabbia inestinguibile di Lee verso se stesso e la sua incapacità di relazionarsi al mondo, Manchester by the Sea riesce a tenersi lontano dalla retorica della redenzione, costruendo una via d’uscita indefinita e imperfetta ma possibile, che riavvia l’esistenza di Lee senza rinnegare né snaturare il peso del suo dolore e del suo lutto. All’ombra del padre/fratello buono e rispettato dalla comunità, il rapporto tra Lee, uomo spezzato, e Patty (Lucas Hedges, già visto in Moonrise Kingdom e qui in coppia con la star del film di Anderson, Kara Hayward, qui sottoutilizzata), animato da un credibilissimo egoismo adolescenziale, è la felice intuizione centrale del film, che lo riscatta dal rischio, a tratti molto concreto, di apparire ricattatorio per eccesso di crudeltà nei confronti di questi personaggi.

Manchester by the Sea [id., USA 2016] REGIA Kenneth Lonergan. CAST Casey Affleck, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Michelle Williams, Gretchen Mol. SCENEGGIATURA Kenneth Lonergan. FOTOGRAFIA Jody Lee Lipes. MUSICHE Lesley Barber. Drammatico, durata 136 minuti.

8. Personal Shopper

Spirito libero, sto contenta quando mi parli dentro
In uno dei suoi numerosi scritti, molti dei quali raccolti in un libro pubblicato da Gallimard e intitolato Présences, Olivier Assayas, ex critico dei Cahiers, si riferisce a Kenneth Anger con queste parole: “Crede che i film abbiano a che fare principalmente con l’invisibile. Potrebbe aver ragione”. Tra tutti i titoli dell’affascinante filmografia di Assayas, Personal Shopper è quello che trasforma in maniera più esplicita questo “invisibile” nel nucleo del racconto. Si tratta, infatti, di una singolare “ghost story”, che ha per protagonista una medium, Maureen, in lutto per la morte del gemello Lewis, anche lui dotato di poteri paranormali. Ma è solo la traccia principale di un film affascinante e spiazzante, in cui il cinema sofisticato e introspettivo di Assayas, da sempre evocatore di fantasmi, di quelli del passato in particolare, si fonde anche con il giallo: Maureen, la solitaria “personal shopper” del titolo, si ritrova improvvisamente coinvolta in un omicidio e perseguitata da uno stalker, con cui inizia un pericoloso gioco di seduzione, che è, inevitabilmente, un’esplorazione del proprio confuso desiderio. Del corpo di Kristen Stewart, coperto da larghi maglioni o t-shirt di Betino’s Records, accarezzato dagli abiti eleganti della diva per cui lavora, o seminudo che sia, Assayas, anche sceneggiatore, fa l’oggetto di uno sguardo fantasma, che insegue Maureen in fluidi pianisequenza, la spia con discrezione, ne osserva il volto inquieto. Comunicandoci, ancora una volta, quello che Kent Jones, nella monografia del 2012 dedicata al regista, definisce “a persistent feeling of life as a succession of dislocations and displacing shocks”. Maureen, per l’appunto, è il tipico personaggio di Assayas, sempre in movimento, in viaggio. Assayas, cineasta del presente come transizione, cantore di un’epoca “après”, post-punk, post-ideologica, post-nouvelle vague, di Maureen coglie, come un sismografo, le vibrazioni libertarie, i moti dell’animo, gli spaesati tentativi di entrare in contatto con un “hereafter” ondivago, specchio rotto della sua interiorità. Il cinema di ellissi e fuori campo che Assayas padroneggia scopre qui la frontalità degli effetti speciali, gioca sempre abilmente con il sonoro, e invita lo spettatore a una sospensione dell’incredulità che è, giocoforza, corollario della fede in un cinema della relazione, in cui il confine tra intersoggettivo e intrasoggettivo è impalpabile, come una dissolvenza al bianco.

Personal Shopper [id., Francia/Germania 2016] REGIA Olivier Assayas. CAST Kristen Stewart, Lars Eidinger, Sigrid Bouaziz, Anders Danielsen Lie. SCENEGGIATURA Olivier Assayas. FOTOGRAFIA Yorick Le Saux. MONTAGGIO Marion Monnier. Drammatico/Thriller/Fantastico, durata 105 minuti.

9. Vi presento Toni Erdmann

Confuso e felice
Winfried Conradi ha superato i sessant'anni ma non rinuncia allo scherzo, che sia con l'impreparato corriere o con sua figlia Ines che ne conosce le stranezze da una vita, e che da qualche anno è emigrata a Bucarest per lavoro. Un giorno Winfried la raggiunge di nascosto, sperando di passare del tempo con lei. Ma quello che si trova davanti è un mondo asettico, infelice, dove anche il sesso non è più un piacere ma solo una conseguenza della noia. Deciso a ridarle il sorriso si infila una parrucca, la dentiera e diventa Toni Erdmann, eccentrico coach dei pezzi grossi. Non siamo preparati a un film come Toni Erdmann, per questo gioiamo quando, nel titolo italiano, scopriamo che ci verrà "introdotto" come fosse un Joe Black qualunque. Ma il protagonista del film di Maren Ade sfugge ai nostri tentativi di chiuderlo dentro movimenti-sequenze-dialoghi che pensavamo di poter anticipare, tanto siamo esperti di quel cinema lì. Ma che film è Vi presento Toni Erdmann? Un sogno girato come una docu-fiction, il biopic di un personaggio mai esistito ma che vorremmo avere accanto ogniqualvolta ci sfiori il dubbio di essere prede di un sistema che contempla tante piccole felicità, ma non la nostra. Da una parte la Aden mette i colletti bianchi, l'universo asettico delle riunioni, delle stagiste perse che fanno tutto, magari meglio dei capi, ma senza avere alcun feedback; dall'altro quel sottobosco chiamato umanità che non parla la lingua dei padroni ma sa spiegarsi con un gesto, una micro-espressione. Ines è un corpo che continuamente si spoglia e si riveste per essere adatta alle occasioni, è un essere umano interrotto e lo stesso si potrebbe dire del padre se solo quest'ultimo non sfruttasse i suoi camuffamenti per demolire le stesse sovrastrutture che soffocano la figlia. Ed è proprio nel ribaltamento finale che la ribellione nei confronti del mondo si compie, nella nudità totale di Ines e nel costume che nasconde Toni agli occhi di tutti ma non di lei, che lo ha sempre considerato un impiccio e invece ora ne capisce il dolore, la tragedia di vedere il mondo con occhi sinceri. Come spettatori siamo impreparati a un film come Vi presento Toni Erdmann perché inciampiamo continuamente negli stereotipi di cui si prende gioco, perché evitiamo di scontrarci con quel cinema che ci racconta senza troppi giri di parole, perché abbiamo paura di guardare la nostra vita senza musica di sottofondo e scoprirla vuota. Perché abbiamo paura che il cinema ci parli, perché non abbiamo vie di fuga se non arrenderci alla felicità pura, raccontata con una delicatezza rara e inaspettata.

Vi presento Toni Erdmann [Toni Erdmann, Germania/Austria/Svizzera/Romania 2016] REGIA Maren Ade. CAST Peter Simonischek, Sandra Hüller, Michael Wittenborn, Thomas Loibl. SCENEGGIATURA Maren Ade. FOTOGRAFIA Patrick Orth. MUSICHE Patrick Veigel. Commedia/Drammatico, durata 162 minuti.

10. Madre!

Il cinema come caleidoscopio delle ansie
Di Madre! sorprende la volontà di non costruire un lungo crescendo di emozioni ma piuttosto arrivare rapidamente al parossismo per adottare prima possibile un registro narrativo grottesco e permettere a Darren Aronofsky di giocare, anche in modo pretestuoso, col suo film-allegoria di non si sa bene cosa. È l’arrivo di un ospite inatteso (Ed Harris) a lanciare un’ombra sulla vita della coppia di protagonisti, con la sua presenza ingombrante e malaticcia e le sue sigarette che riempiono di fumo il loro nido d’amore. Il personaggio interpretato da Jennifer Lawrence ha un legame sentimentale talmente forte con la casa che esso è rappresentato graficamente da un cuore che batte quando lei tocca le pareti. Il suo compagno (Javier Bardem) prova invece un senso di isolamento e vede nell’estraneo un’occasione per trovare l’ispirazione e magari riprendere la sua attività di poeta. Lo sconosciuto è presto raggiunto dalla moglie (Michelle Pfeiffer) e di lì in avanti gli ospiti si moltiplicano in modo esponenziale facendo precipitare la situazione con rapidità sorprendente. La casa diviene presto la scenografia – o la vittima – di un incubo nel quale la protagonista si guarda intorno spaesata come se soffrisse di autismo, i suoi sensi diventano ipertrofici e le sue ansie sono ingigantite come in un’allucinazione. Metafora della creazione artistica e iperbole dell’esperienza di chi vede invasa la propria privacy, Madre! è ricco di simbolismi chiarissimi eppure risulta difficile da interpretare in modo univoco. Stratificato o semplicemente contraddittorio, comunque esso sia, il film va guardato come un’allegoria che sviluppa la propria narrativa ben oltre i confini del significato metaforico. È drammatico ma al contempo giocoso poiché ricco di formalismi e influenze di genere, e sorprende la rapidità e l’efficacia con cui passa da un registro, emotivo o stilistico, all’altro. Chiamarlo “horror” sarebbe riduttivo (non offensivo) ma Madre! è certamente imparentato col cinema dell’orrore, tanto che fa uso di alcuni tra i suoi trucchi più vecchi come, ad esempio, avvicinare l’inquadratura al volto della protagonista per farci saltare sulla sedia quando un quadro più largo rivela la presenza di qualcuno dietro di lei. Nel complesso, il film potrebbe deludere se ci si aspetta troppo dai suoi contenuti e non è certo ascrivibile tra i prodotti migliori del suo autore, tuttavia Madre! è apprezzabile per la sua indole allucinante e caotica e per la capacità di amplificare le ansie, proprio come accade in un incubo.

Madre! [Mother!, USA 2017] REGIA Darren Aronofsky. CAST Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris, Michelle Pfeiffer, Brian Gleeson, Domhnall Gleeson. SCENEGGIATURA Darren Aronofsky. FOTOGRAFIA Matthew Libatique. MUSICHE Jóhann Jóhannsson. Drammatico/Horror, durata 121 minuti.

In questo numero

La Top Ten Mediacritica 2017

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Vince: La La Land

La Top Ten Mediacritica 2017

Leggi le singole classifiche:

1. La La Land

2. Elle

3. Scappa – Get Out

4. Blade Runner 2049

5. Arrival

6. Dunkirk

7. Manchester by the Sea

8. Personal Shopper

9. Vi presento Toni Erdmann

10. Madre!