La Top Ten Mediacritica 2016

sabato 31 Dicembre, 2016 | di Redazione Mediacritica

Top Ten Mediacritica 2016

È solo la fine dell’anno

Insomma, decidiamoci: è stata o no una buona annata di cinema? Forse è vero, è mancato il colpo di fulmine da far girare la testa, ma leggendo la Top Ten Mediacritica 2016 non sembra essere andata poi così male.

Tra i 10 migliori film dell’anno solare 2016 (pellicole rigorosamente uscite nelle sale italiane, magari solo per un solo giorno, ma pur sempre distribuite) ci sono i grandi autori ai loro massimi livelli – Eastwood con l’esemplare Sully, Inarritu con l’animalesco Revenant – Redivivo, Tarantino che ha sbaragliato la concorrenza nonostante The Hateful Eight sia per molti una “opera minore” all’interno della sua filmografia – e ancora le giovani promesse (mantenute), Robert Eggers con l’oggetto non identificato The Witch, Xavier Dolan con lo straziante È solo la fine del mondo (in odore di Oscar come Migliore Film Straniero). È stata, sicuramente, un’annata molto americana (come definire in altro modo il provocante e provocatorio cinema di Tom Ford, che umilia le stelle e le strisce yankee a colpi di estetismi raffinati e glaciali drammi umani?), ma non solo: a trafiggerci il cuore ci sono anche l’Ungheria (che con Il figlio di Saul strappa un notevole secondo posto), la Cina post-moderna di Jia Zhang-ke e il Cile “nerudiano” di Pablo Larrain. A spaccare in due la watchlist, infine, il nostro guilty pleasure preferito, Rogue One, primo spin-off ufficiale di Star Wars e promessa per l’Episodio VIII che verrà. Cosa manca? Manca l’Italia, più volte però presente nelle singole classifiche dei redattori. Titoli che abbiamo amato, e che citiamo anche qua: Perfetti sconosciuti, Quo vado?, Lo chiamavano Jeeg Robot, La pazza gioia, Fuocoammare, Veloce come il vento… Scelte di testa e scelte di pancia, slanci politici e/o semplici riaffermazioni orgogliose sull’onda della rinascita di un possibile cinema di genere nostrano. Siamo stati anche severi: nel nostro Olimpo cinefilo non trovano spazio ad esempio Julieta di Almodovar, Carol di Todd Haynes, Il caso Spotlight di McCarthy, Café Society di Woody Allen e il controverso The Neon Demon di Nicolas Winding Refn (ops, chiediamo scusa, ora il cineasta danese vuole essere chiamato NWR). Lavori forieri al contempo di folgorazioni brucianti e delusioni cocenti; perché la Settima Arte, in fondo, ci piace così tanto proprio perché opinabile e interpretabile secondo i propri personali gusti. Ora si volta pagina, altro giro e altra corsa: noi siamo pronti, e voi? Buon 2017 da Mediacritica!

La top ten 2016 di Alex Tribelli
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1. The Hateful Eight

2. Revenant – Redivivo

3. Sully

4. Rogue One: A Star Wars Story

5. Lo chiamavano Jeeg Robot

6. The Danish Girl

7. Snowden

8. Trafficanti

9. Steve Jobs

10. Carol

La top ten 2016 di Andrea Moschioni Fioretti
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1. Neruda

2. È solo la fine del mondo

3. Animali notturni

4. La pazza gioia

5. Carol

6. The Hateful Eight

7. Anomalisa

8. Hitchcock/Truffaut

9. Julieta

10. Sully

In calce: fuori di poco Café Society, Remember, The Witch. Da segnalare ancora le serie tv Stranger Things e The Young Pope.

La top ten 2016 di Chiara Checcaglini
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1. Neruda
2. The Hateful Eight
3. Rogue One: A Star Wars Story
4. Sing Street
5. I miei giorni più belli
6. Ave, Cesare!
7. Lo chiamavano Jeeg Robot
8. Mistress America
9. La pazza gioia
10. Captain America – Civil War

In calce: le serie TV Atlanta, Stranger Things e Westworld.

La top ten 2016 di Edoardo Peretti
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1. Neruda
2. Paterson
3. Al di là delle montagne
4. The Hateful Eight
5. Il figlio di Saul/La canzone del mare
7. Anomalisa
8. Carol
9. Monte
10. Mistress America

In calce: The Witch, Sully, Café Society, L’infinita fabbrica del duomo, 1981: Indagine a New York, La mia vita da zucchina, A Girl Walks Home Alone at Night; dai festival Vi presento Toni Erdmann, La La Land e The Wailing prenotano un posto per il prossimo anno.

La top ten 2016 di Eleonora Degrassi
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1. È solo la fine del mondo
2. Revenant – Redivivo
3. Animali notturni
4. Captain Fantastic
5. Lo chiamavano Jeeg Robot
6. Sing Street
7. Room
8. Agnus Dei
9. Sully
10. The Hateful Eight

In calce: The Neon Demon, Neruda, Veloce come il vento, Un padre, una figlia, Il caso Spotlight, Zootropolis. Serie tv: Stranger Things, Westworld, The OA, Transparent, Narcos e Orange is The New Black.

La top ten 2016 di Erasmo De Meo
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1. Il figlio di Saul
2. Revenant – Redivivo
3. I miei giorni più belli
4. El abrazo de la serpiente
5. Animali notturni
6. The Neon Demon
7. La memoria dell’acqua
8. Remember
9. Sole alto
10. Aquarius

In calce: per l’idea di cinema The Assassin, Afterimage e Monte, per l’Italia La stoffa dei Sogni e il finale di Perfetti sconosciuti, per il dialogo civile Tangerines – Mandarini, per la coinvolgente purezza Sing Street e per il sogno cinematografico più grande, ma incompiuto, degli ultimi tempi Le mille e una notte – Arabian Nights.

La top ten 2016 di Filippo Zoratti
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1. Al di là delle montagne
2. È solo la fine del mondo
3. The Hateful Eight
4. Tutti vogliono qualcosa
5. 10 Cloverfield Lane
6. Sully
7. The Witch
8. Steve Jobs
9. Café Society
10. The Nice Guys

In calce: Une vie visto a Venezia, El castillo de la pureza visto alla Viennale, Ma’ Rosa visto a Torino; le serie tv Stranger Things, 22.11.63 e Better Call Saul; doverosa menzione al doc Lumière! La scoperta del cinema, uno dei tanti film che quest’anno mi hanno fatto piangere. Due sole delusioni infine, ma cocenti: The Neon Demon e Rogue One: A Star Wars Story.

La top ten 2016 di Francesco Grieco
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1. The Hateful Eight
2. Al di là delle montagne
3. Carol
4. Anomalisa
5. Le mille e una notte – Arabian Nights
6. Neruda
7. The Neon Demon
8. I miei giorni più belli
9. Monte
10. Knight of Cups

In calce: Kubo e la spada magica, Oceania, April and the Extraordinary World, The Case of Hana and Alice, Miss Hokusai, A Quiet Passion, A Lullaby to the Sorrowful Mistery, Vi presento Toni Erdmann, La grande scommessa, Daddy’s Home, Remember, Sole alto, La buona uscita, Spira Mirabilis, Io, Daniel Blake, Il cittadino illustre, Tangerines – Mandarini, Café Society; serie tv Stranger Things; videoclip Lazarus (D.Bowie) e Drone Bomb Me (Anohni); fumetti I fiori del male (T.Liberatore), Sputa tre volte (D.Reviati), La terra dei figli (Gipi), Patience (D.Clowes).

La top ten 2016 di Gabriele Baldaccini
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1. The Neon Demon
2. The Hateful Eight
3. Il figlio di Saul
4. Il club
5. The Witch
6. Revenant – Redivivo
7. Fuocoammare
8. Ave, Cesare!
9. It Follows
10. The Assassin

In calce: Stranger Things, David Bowie. Tre libri (italiani) sul cinema: Il cinema e l’estetica dell’intensità – Paolo Bertetto; Jacopetti files. Biografia di un genere cinematografico italiano – Fabrizio Fogliato, Fabio Francione; Invasion Usa. Idee e ideologie del cinema americano anni ’80 – Pier Maria Bocchi.

La top ten 2016 di Juri Saitta
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1. Al di là delle montagne
2. Il club
3. Neruda
4. Frantz
5. Il figlio di Saul
6. Carol
7. 1981: Indagine a New York
8. The Hateful Eight
9. Lo chiamavano Jeeg Robot
10. Café Society

In calce: I miei giorni più belli, Zootropolis. Aquarius. Inediti: Elle, The Happiest Day in the Life of Olli Mäki, Ma’ Rosa, Suntan.

La top ten 2016 di Leonardo Cabrini
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1. Quo vado?
2. Fiore
3. Veloce come il vento
4. Tutti vogliono qualcosa
5. Sully
6. 10 Cloverfield Lane
7. Julieta
8. The Nice Guys
9. Sausage Party – Vita segreta di una salsiccia
10. Lo chiamavano Jeeg Robot

In calce: l’inedito Shin Godzilla e le Serie Tv Stranger Things, The Get Down, Love e quella merda di Easy (che però mi piace molto).

La top ten 2016 di Lisa Cecconi
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5. Sully

7. Neruda

9. I miei giorni più belli

10. Animali notturni

In calce: le serie TV Stranger Things e Westworld.

La top ten 2016 di Luca Giagnorio
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1. The Hateful Eight
2. Io, Daniel Blake
3. Room
4. Revenant – Redivivo
5. Il figlio di Saul
6. Lo chiamavano Jeeg Robot
7. Animali notturni
8. Perfetti sconosciuti
9. Rogue One: A Star Wars Story
10. Lo and Behold – Internet: il futuro è oggi

La top ten 2016 di Marco Longo
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1. Spira Mirabilis

2. Le mille e una notte – Arabian Nights

3. Cavallo Denaro

4. Sully

5. Tangerines – Mandarini

6. Monte

7. Knight of Cups

8. Paterson

9. Fai bei sogni

10. Tutti vogliono qualcosa

In calce: i restanti volumi di Le mille e una notte – Arabian Nights, I miei giorni più belli, Al di là delle montagne, Il figlio di Saul, Vi presento Toni Erdmann visto ai Lux Days di Milano, le serie TV Stranger Things, Love e The Night Of.

La top ten 2016 di Maria Cristina Andrian
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1. Oceania
2. Zootropolis
3. Kubo e la spada magica
4. Eddie The Eagle – Il coraggio della follia
5. Rogue One: A Star Wars Story
6. Ghostbusters
7. Doctor Strange
8. Warcraft – L’inizio
9. Single ma non troppo
10. Star Trek Beyond

In calce: i videogame Unravel e Uncharted 4 – Fine di un ladro e il libro Il buio in sala di Leo Ortolani.

La top ten 2016 di Martina Bigotto
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1. Joy
2. Quo vado?
3. Astrosamantha – La donna dei record nello spazio
4. Rogue One: A Star Wars Story
5. Una notte con la regina
6. Il cacciatore e la regina di ghiaccio
7. Sing Street
8. Pets – Vita da animali
9. Il mio grosso grasso matrimonio greco 2
10. Abel – Il figlio del vento

In calce: Brooklyn, Ghostbusters, Bridget Jones’s Baby. Tra gli inediti One Chance – L’opera della mia vita, Man Up. Serie tv: Manhattan, Una mamma per amica – Di nuovo insieme.

La top ten 2016 di Martina Farci
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1. Land of Mine – Sotto la sabbia
2. Animali notturni
3. Lion – La strada verso casa
4. Sing Street
5. Sully
6. È solo la fine del mondo
7. Room
8. Perfetti sconosciuti
9. Captain Fantastic
10. Zootropolis

In calce: l’inedito Hell or High Water e le serie tv The Young Pope e The Crown.

La top ten 2016 di Massimo Padoin
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1. It Follows
2. The Witch
3. Tom à la ferme
4. Animali notturni
5. 1981: indagine a New York
6. The Hateful Eight
7. Il figlio di Saul
8. Perfetti sconosciuti
9. Batman V Superman: Dawn of Justice
10. A Girl Walks Home Alone at Night

In calce: Lo zingaro di Luca Marinelli in Lo chiamavano Jeeg Robot, le serie Tv Stranger Things e Hap and Leonard.

La top ten 2016 di Michele Galardini
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1. Al di là delle montagne
2. Il figlio di Saul
3. Le mille e una notte – Arabian Nights
4. Neruda
5. The Hateful Eight
6. Tutti vogliono qualcosa
7. È solo la fine del mondo
8. Lo and Behold – Internet: il futuro è oggi
9. Rogue One: A Star Wars Story
10. L’infinita fabbrica del duomo

La top ten 2016 di Teresa Nannucci
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1. Paterson
2. The Hateful Eight
3. Parola di Dio
4. Ave, Cesare!
5. Lo chiamavano Jeeg Robot
6. Captain Fantastic
7. Sole alto
8. Neruda
9. Room
10. Ma Loute

In calce: Veloce come il vento, Anomalisa, Julieta. Top 3 serie tv: 1) Stranger Things 2) 22.11.63 3) The Night Of.

La top ten 2016 di Vincenzo Palermo
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1. Sully

2. Rogue One: A Star Wars Story

3. The Witch

4. The Neon Demon

5. The Hateful Eight

6. Tutti vogliono qualcosa

7. I miei giorni più belli

8. Carol

9. Sing Street

10. Neruda

In calce: It Follows, Revenant – Redivivo, Animali notturni, Quando hai 17 anni, 10 Cloverfield Lane, Agnus Dei. Inediti: 31, Baskin. Serie tv: Stranger Things, Black Mirror – Season 3.

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La Top Ten Mediacritica 2016

1. The Hateful Eight
2. Il figlio di Saul
3. Sully
4. Neruda
5. Animali notturni
6. Rogue One: A Star Wars Story
7. Al di là delle montagne
8. Revenant - Redivivo
9. È solo la fine del mondo
10. The Witch

La Top Ten Mediacritica 2016 è basata sulle singole classifiche dei nostri collaboratori. Abbiamo assegnato 10 punti al film in cima alle top ten personali, 9 al secondo... e via via in ordine decrescente. La votazione tiene conto esclusivamente dei film usciti nelle sale italiane dal primo gennaio 2016 ad oggi.

1. The Hateful Eight

Black man, white hell
Sgombriamo il campo da equivoci, non è questione di essere fan: il talento di Quentin Tarantino come regista è un dato oggettivo. Lo si vede dalla composizione delle inquadrature ai movimenti di macchina, nella capacità di scrittura, nella caratterizzazione dei personaggi, nell’originalità dei dialoghi, nel suo gusto per la citazione e l’omaggio cinefilo, nell’abilità di creare film d’intrattenimento mai privi, però, di una lettura più profonda. Riconoscere questo è il punto di partenza irrinunciabile. Da qui si può legittimamente lasciare spazio ai pareri personali, che possono non far apprezzare uno o più dei suoi film. Con la sua ottava fatica, The Hateful Eight, Tarantino, evento raro, sorprende solo in parte: la struttura narrativa, l’uso dello spazio, le dinamiche tra i personaggi fanno pensare a una sorta di rifacimento western de Le iene; i dialoghi “black man (al solito in minoranza contro quasi tutti) vs white men” e i sottotesti politici – violenza, razzismo e ingiustizia come elementi fondativi della società americana – sono quelli di Django Unchained. Quasi tutti i titoli della filmografia di Tarantino, pur riconoscibili nello stile e riconducibili all’immaginario del loro autore, avevano rispetto all’opera precedente qualcosa di totalmente nuovo, che fosse il genere, la costruzione della storia, l’ambientazione. Per la seconda volta (l’altra per chi scrive è Jackie Brown) un nuovo film non aggiunge molto al Tarantino che conoscevamo già. Per la primissima volta invece i personaggi principali non sono tutti equamente valorizzati (indipendentemente dal tempo diverso trascorso sulla scena). In particolare è forte la sproporzione tra “prima e seconda diligenza”: il Maggiore Warren di Samuel L. Jackson (scandalosamente ignorato agli Oscar), la satanica Daisy Domergue della rediviva Jennifer Jason Leigh e il rinnegato sudista di Walton Goggins giganteggiano su tutti gli altri in una lotta quasi impari, nonostante attori come Michael Madsen e Tim Roth (che scimmiotta il Christoph Waltz di Django). Non lasciatevi ingannare dall’ampio formato dell’immagine e dalla pastosità della pellicola 70 mm (per chi non lo vedrà in digitale), né dal nome (all’ascolto la musica è perfettamente coerente) di Ennio Morricone alla colonna sonora: The Hateful Eight non è un western, ma una commedia macabra, dalle atmosfere da giallo virate all’horror, teatrale nell’impianto, quasi priva di esterni e giocata in un unico spazio; è Carnage versione Grand Guignol in cui l’ambientazione autorizza i personaggi a mettere mano alle armi senza alcuna apparenza borghese da salvare. Tarantino mette in scena otto “inglorious bastards” e demolisce qualunque epica legata all’immaginario del vecchio West e alle sue figure archetipiche, le cui maschere cadono tra il sangue, così come fittizia è la simbolica divisione dell’emporio di Minnie in Nord e Sud, Yankees e Confederati. Tutti si odiano, tutti fingono di essere quello che non sono: la lettera di Lincoln, ovviamente falsa, chiude la vicenda come un amaro e beffardo epitaffio.

The Hateful Eight [id., USA 2015] REGIA Quentin Tarantino. CAST Samuel L. Jackson, Jennifer Jason Leigh, Kurt Russell, Walton Goggins, Tim Roth, Michael Madsen, Bruce Dern, Demián Bichir. SCENEGGIATURA Quentin Tarantino. FOTOGRAFIA Robert Richardson. MUSICHE Ennio Morricone. Western/Giallo/Thriller, durata 187 minuti (versione 70 mm), 167 minuti (versione digitale).

2. Il figlio di Saul

Dentro l’inferno
Nell'alienante routine del Sonderkommando, gruppi di prigionieri sono costretti ad assistere i nazisti, collaborando per gassare e cremare gli altri, in attesa della propria ora. Nel cadavere di un bambino Saul crede di riconoscere il figlio e tenta di tutto per dargli degna sepoltura. È stato definito uno sguardo completamente inedito sulla Shoah, quello che l'esordiente ungherese László Nemes mette in scena con Il figlio di Saul. Nello specifico, uno sguardo in 4:3, chiuso sul volto di Saul Auslander e sul poco spazio che occupa il suo corpo dentro l'orrore smisurato di Auschwitz. La macchina da presa in semi-soggettiva gli arranca addosso sul volto terreo, sulla fissità dello sguardo di vetro e le fughe ristrette del suo campo visivo. Tutto il resto è relegato allo sfondo, una realtà distante, spesso sfocata, inevitabilmente mutila e parziale. Abitata da suoni inauditi, ordini immondi e grida strazianti. Ma anche da compiti e gerarchie di un microcosmo di devastazione. Spogliare i prigionieri per le docce di gas, spalare la cenere dei forni crematori, pulire il sangue e trascinare “i pezzi”, come i tedeschi chiamano i cadaveri delle vittime dello sterminio. Nemes sceglie un formato che nega la visione, la costringe al fuori campo di un rifiuto necessario, all'infilmabile che sfugge all'estetica: quella intesa come percezione di chi deve sopravvivere, prima ancora che come stile di rappresentazione. “Poiché tale è la natura umana", scriveva Primo Levi, "che le pene e i dolori simultaneamente sofferti non si sommano per intero nella nostra sensibilità, ma si nascondono, i minori dietro ai maggiori, secondo una legge prospettica definita. Questo è provvidenziale e ci permette di vivere in campo”. Il lager mostrato da Nemes è dunque il lager di un individuo, perché si è soli nella non-vita del campo, e “già morti”, come sostiene Saul. Ma nella massa indistinta dei corpi, di chi muore e di chi sopravvive, ne riconosce uno come il proprio figlio, gli assegna una storia e un'identità. E sottrarlo al macello che annienta e smembra, all'autopsia che riduce in pezzi diventa il motore di una missione che spinge Saul all'insubordinazione. La ricerca di un rabbino per seppellire il ragazzo si trasforma nell'unica ragione di esistere, per la quale sfidare le regole e rischiare la pelle. Non si tratta più di eroismo o coraggio, concetti lontani di un mondo dissolto, ma di accidenti necessari al conseguimento di un obiettivo, un'esigenza irriducibile, più forte della disperazione. L'atto deliberato di un uomo nell'inferno, il cui unico motivo per vivere è restituire la dignità alla morte di un bambino.

Il figlio di Saul [Saul fia, Ungheria 2015] REGIA László Nemes. CAST Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn, Kamil Dobrowolski. SCENEGGIATURA László Nemes, Clara Royer. FOTOGRAFIA Mátyás Erdély. MUSICHE László Melis. Drammatico, durata 107 minuti.

3. Sully

A misura d’uomo
Il 15 gennaio 2009, partito da LaGuardia e diretto a Charlotte sul volo della US Airways con 155 passeggeri a bordo, il pilota Chesley Sullenberger effettua un atterraggio d’emergenza sul fiume Hudson evitando un disastro aereo annunciato. Nessun morto. Sette anni più tardi la sua storia rivive grazie a Clint Eastwood che realizza una parabola umanista innervata di sobrietà scenica e lucidità di contenuto. Sully, opera dal forte impatto civile, evita la trappola dell’esasperazione bulimica e del tono apocalittico (non un disaster movie, né un film giudiziario), per virare sull’esaltazione del capitale umano che, a partire dal singolo, sceglie la via perigliosa ma esemplare dell’autodeterminazione del sé. Siamo di fonte ad una codificazione in immagini che, senza (s)cadere nell’operazione-tributo, riflette sulla figura di spicco nell’immaginario collettivo americano: l’eroe nazionale contro il sistema. Guidato da un’idea di cinema “umano, troppo umano” in grado di raggiungere la perfezione della messa in scena, Eastwood riesce a creare un miracoloso equilibrio stilistico che non lascia spazio a scompensi narrativi, né a letture forzate, organizzando il racconto su blocchi temporali a sé stanti, tra flashback e allucinazioni post-traumatiche. E sta in equilibrio, proprio come il velivolo che, dopo l’incredibile ammaraggio, rimane sospeso sull’Hudson mentre offre le sue ali protettive come ancore di salvezza ai viaggiatori. Insomma, ciò che rende veramente speciale Sully – diminutivo dell’ingombrante Sullenberger – è il fatto di essere una pellicola-manifesto tanto concettuale quanto illuminata e consapevole, da cui è possibile ricavare significati metaforici e altri più aderenti ad un asciutto realismo. A chi lo vorrebbe trumpiano a tutti i costi, il regista oppone alla verticalità dei muri divisori l’orizzontalità delle ali dell’aereo su cui sono abbarbicate le persone; mentre, leggendolo fuor di metafora sul volto di Tom Hanks, con baffi e sguardo compassato, il film sovrappone, alle logiche utilitaristiche dell’agenzia federale che deve accertare il corretto operato del pilota, un antropocentrismo che svela empatia, senso di responsabilità e fallibilità tenace. Ancora una volta un eroe del quotidiano che pianifica la salvezza degli altri con perseveranza, bersagliato in seguito dai media e da una legge che lo ritiene colpevole di avere messo a repentaglio la vita dei passeggeri senza attenersi alle procedure protocollari. Il “mondo perfetto” di Clint accoglie e non divide, e le azioni dei suoi eroi, dal “falso movimento” di Kovalski che mima lo sparo al salvataggio del working class hero dei cieli, incitano a preservare un’umanità fragile ma consapevole, in bilico tra le falle di un sistema, quello sì, a rischio continuo di naufragio.

Sully [Id., USA 2016] REGIA Clint Eastwood. CAST Tom Hanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Anna Gunn, Autumn Reeser. SCENEGGIATURA Todd Komarnicki (tratta dall'autobiografia Highest Duty: My Search for What Really Matters di Chesley Sullenberger e Jeffrey Zaslow). FOTOGRAFIA Tom Stern. MUSICHE Christian Jacob, The Tierney Sutton Band. Drammatico/Biografico, durata 95 minuti.

4. Neruda

Hanno ammazzato Pablo, Pablo è vivo!
Neruda è il film più ambizioso, onirico e lirico di Larraín, è una poesia lunga, come quelle che scriveva il poeta cileno. In Neruda, la Storia entra dalla porta principale, non è più ai margini del quadro. Niente più uomini comuni alle prese con eventi di portata nazionale più grandi di loro, esponenti di quella maggioranza silenziosa e ambigua, complice della catastrofe. Invece, l’oggetto dell’introspezione psicologica, in Neruda, è una figura di primo piano della politica cilena e della cultura mondiale, in un momento delicatissimo della propria vita: i lunghi mesi in cui, a partire dal 1948, Pablo Neruda, ricercato dalla polizia di Videla, lotta tra le aspirazioni all’espatrio, per divenire attore radicale della Resistenza, e quelle a restare, nelle vesti di Poeta clandestino. Si sposta, tra Cile e Argentina. Per generare se stesso come eroe nazionale integro deve abbandonare una parte di sé, nella fuga selvaggia: la moglie Delia, che lo ha formato come artista e militante, e che come sempre lo accompagnerà nella scelta del viaggio, per poi lasciarlo andare, nell’ultimo tentativo di espatrio, per l’ultima volta. Il cinema politico di Larraín − democratico nel conferire pari dignità a tutti i personaggi, anche ai più irrisolti – in Neruda si fa prismatico e barocco. Niente più sobrietà stilistica e fissità delle inquadrature, ma movimenti di macchina vorticosi, eleganti e visionari pianisequenza; l’immagine in 2,35:1, nei giochi di luce del fedele direttore della fotografia Sergio Armstrong, alterna sontuosa magnificenza a rarefazione. L’unico rigore è quello della morte, presenza costante nella filmografia larrainiana, un corpus di opere che fino a Il club appaiono una sequenza autoptica per fotogrammi di un intero Paese, l’elaborazione del lutto per una nazione uccisa, nei suoi ideali, dalla violenza della dittatura. Un cinema della crisi, che, prima di Neruda, ha fotografato la tensione esistenziale di individui contraddittori, inghiottiti nella stasi del Cile di Pinochet, nei decenni dove l’unica fuga possibile dall’orrore, l’unico viaggio era quello nell’immaginario, in una wilderness mediatica. In Neruda è proprio la morte, quella da eroe tragico del caparbio prefetto Oscar Peluchonneau − Doppelgänger affabulatore, insieme allucinata voice over autopoietica da noir e altro da sé per Neruda, incarnazione del suo desiderio di persecuzione, personificazione di una scissione interiore e pubblica, tra pragmatico senatore comunista e letterato poco utile alla causa del partito, marito innamorato e puttaniere impenitente, potenziale martire della rivoluzione e esule dall’apparenza bohémien, di fatto ancora borghese −, nel sottofinale western sulle Ande innevate, a permettere a Neruda di sfuggire alla cattura. In quel momento cruciale, Neruda a cavallo fa il suo ingresso nello spazio concreto della Storia. La Resistenza cilena ha finalmente il suo uomo-simbolo.

Neruda [id., Cile/Argentina/Francia/USA/Spagna 2016] REGIA Pablo Larraín. CAST Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán, Alfredo Castro. SCENEGGIATURA Guillermo Calderón. FOTOGRAFIA Sergio Armstrong. MUSICHE Federico Jusid. Biografico/Drammatico, durata 107 minuti.

5. Animali notturni

Piacere sadico
“Pensi mai che la tua vita sia diversa da come la volevi?”. In un momento di autoriflessione, Susan Morrow, proprietaria di una nota galleria d’arte di Los Angeles, pone questa domanda alla sua assistente. Il primo marito Edward, dopo un silenzio di 19 anni, le ha appena inviato un manoscritto con dedica in cui morte e vendetta dominano la narrazione. Per Susan, l’evento segna il momento di affrontare i demoni di un passato messo a tacere ma mai pienamente risolto. La seconda opera firmata dal regista/stilista Tom Ford (A Single Man) si apre con una sequenza di immagini che è, da subito, esposizione di forme in eccedenza, esibizione indecente di un mondo che ha fatto della rappresentazione il proprio paradigma definitivo, nonché la deriva di ogni significato. Come le autostrade della città di Los Angeles si intrecciano creando geometrie sovrapposte nello spazio, così i piani della narrazione – ben tre – si intersecano e si allontanano dando luogo a realtà immaginate e ricordate, dai profili permeabili. La fotografia di Seamus McGarvey è funzionale alla differenziazione delle tre storie, mentre il montaggio di Joan Sobel le ricongiunge, creando un impasto narrativo di affascinante complessità. I punti di vista si sdoppiano, i rimandi testuali si moltiplicano; Animali notturni omaggia Hitchcock e Lynch, rivela un’attenzione ai dettagli degna di Kubrick e un senso del melodramma che guarda a Douglas Sirk: il film è un incrocio di citazioni stilistiche e di contenuto, un’elegante interpellazione (in)diretta al senso critico dello spettatore. Sa vestire le sue immagini Ford, in un modo così potente ed accurato da generare dei tableaux vivants di corpi, dettagli, luci, colori e stati d’animo: un vero estetismo della rappresentazione che conferisce alla mise en scène una carica visiva attraente e disturbante. L’arte come via di fuga, come processo di rielaborazione del lutto e del rifiuto, come strumento di vendetta che non contempla redenzione alcuna. In questo senso, il personaggio di Edward è il doppio del regista, del suo sguardo sulla realtà: si nasconde al tempo diegetico della storia principale, ma la sua narrazione incide inesorabilmente sulla vita di Susan, sconvolgendola. L’interpretazione di Jake Gyllenhaal presenta il giusto livello di drammaticità, quella di Amy Adams è penetrante nel riferire un disagio che la dilania dentro ma, allo stesso tempo, la intrappola in rigide posture dalla forte carica simbolica. La sequenza finale segna il culmine di quel piacere sadico che è proprio della vendetta nella sua forma più “intellettuale”, che sia attuata tramite la parola scritta o l’immagine rappresentata. Benvenuti nel mondo, bellissimo e feroce, di Tom Ford.

Animali notturni [Nocturnal Animals, USA 2016] REGIA Tom Ford. CAST Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Michael Shannon, Aaron Taylor-Johnson, Isla Fisher. SCENEGGIATURA Austin Wright (tratta dal suo romanzo Tony and Susan). FOTOGRAFIA Seamus McGarvey. MUSICHE Abel Korzeniowski. Thriller/Drammatico, durata 116 minuti.

6. Rogue One: A Star Wars Story

Fighting for the future
Non c’è monito più profetico di questo – inquadrato su un cartello militare nel corto distopico di Gareth Edwards Factory Farmed (2008) – per infondere, a distanza di otto anni, “una nuova speranza” all’alleanza ribelle con Rogue One: A Star Wars Story, primo spinoff fuori canone situato cronologicamente tra Episodio III ed Episodio IV. Rogue One è un riuscitissimo sci-fi d’autore, oltre che un’audace sottotraccia narrativa proveniente da una galassia lontana, lontana. La nuova, agguerrita eroina Jyn Erso (Felicity Jones), perde e poi ritrova il padre ingegnere responsabile della costruzione della Morte Nera con cui Darth Vader vuole stritolare interi sistemi planetari. L’aiuteranno, in uno scenario sporco e cupo da guerra asimmetrica, le ultime sacche dell’alleanza ribelle. Nell’episodio I delle “Star Wars Stories” non c’è uno “spostamento” di mitologia da un luogo all’altro della galassia, né solo l’ingigantimento di un famoso time-frame (quello presente in Una nuova speranza), ma un vero e proprio trasferimento semantico ed emotivo che ricrea le cronache di un universo già amato e (ri)conosciuto. Anzi, meglio, uno smottamento che si trascina dietro colate laviche e lapilli incandescenti, fuoco e fiamme. L’ottava avventura di Guerre stellari amplifica l’orizzonte visivo della saga e riconverte il suo spazio/tempo dalla dilatazione narrativa classica ad una compressione stringente che affoga lo spettatore tra le macerie della guerra senza lasciargli scampo. È così che il regista gestisce la sua personale battaglia: alleandosi con la vecchia mitologia, scendendo a patti col war movie hollywoodiano e mantenendosi fedele alla sua poetica. All’interno di un èpos sontuoso, il tempo di una storia (senza tempo) risulta così per nulla eterno, quasi inevitabilmente schiacciato dal peso massimo della contingenza e del realismo bellico; elementi che consentono a Rogue One di diventare tanto un ottimo film di fantascienza, quanto un prezioso tassello di una leggenda tirata, allungata e crossmediale. Si racconta dunque una storia uguale ma “diversa”, grazie ad una scrittura dall’intento pedagogico che proietta la mitopoiesi ai giorni nostri, pur riavvolgendo il nastro della memoria all’indietro, come si evince dal recupero dei costumi e delle atmosfere fine anni Settanta. I nuovi incontri che fa Jyn lungo il suo cammino, i personaggi familiari che qui ritroviamo, la consueta drammaturgia di Star Wars fatta di relazioni filiali complesse sfumate nel melodramma e l’azione vorticosa, riconfigurano, ad uso e consumo delle nuove generazioni, un immaginario denso e dai confini permeabili, iconico ed in vertiginosa espansione.

Rogue One: A Star Wars Story [Id., USA 2016] REGIA Gareth Edwards. CAST Felicity Jones, Diego Luna, Ben Mendelsohn, Mads Mikkelsen, Riz Ahmed. SCENEGGIATURA Chris Weitz, Tony Gilroy. FOTOGRAFIA Greig Fraser. MUSICHE Michael Giacchino. Azione/Fantascienza, durata 133 minuti.

7. Al di là delle montagne

Dopo che tutti saremo capitale
Siamo di fronte a uno dei film più importanti dell’anno, e non soltanto per la cura e la maestria estetica del risultato, di cui il cinema di Jia Zhang-ke, classe 1970, aveva già dato prova da anni, passando per i capolavori Still Life, Leone d’Oro a Venezia, 24 City e A Thouch of Sin. Quello che in qualche maniera fa di Al di là delle montagne un’opera sorprendente e a un tempo connessa a un discorso già avviato, a dispetto di un titolo italiano scorretto e fuorviante, è la sua capacità di portare avanti il ritratto di una Cina fagocitata dalla cultura capitalistica non più secondo l’asse della spazialità, scansionando cioè come in passato i luoghi, le proporzioni, gli orizzonti e le distanze, ma più sottilmente aprendo una breccia nella percezione del tempo che scorre, del rapporto tra passato, presente e futuro, e nella possibile eredità spirituale che attende un’ipotetica generazione a venire nel tentativo, frustrato ma non disperato, di fare ordine nel rapporto ormai scisso tra Storia universale e storia individuale, tra l’epopea del capitale e la necessità delle relazioni, l’urgenza di una memoria individuale, il bisogno di riconnettere la singolarità alla propria origine, alla propria prospettiva di appartenenza. Raccontando, in tre capitoli riconoscibilmente distinti non solo per l’uso creativo dei formati ma soprattutto per l’eterogeneità dei toni, Al di là delle montagne racconta di fatto una storia d’amore tra una donna, un uomo, e il figlio che essi hanno saputo generare entro una cornice di ricerca della felicità guidata dal primato del denaro e del benessere materiale (il nome del bambino è, non a caso, Dollar). Attraverso tre tempi – il 1999, il 2014 e il 2025 – e un mutamento di location che dalla Cina di fine XX secolo conduce all’Australia, e cioè a tutto il mondo, a tutti noi, il film di Jia porta lo spettatore a interrogarsi, più profondamente di quanto sia stato possibile finora nello stesso occidente, sul percorso esistenziale di due generazioni di personaggi per i quali la scelta di accettare e accogliere una dimensione eternamente presente, capace di cancellare il passato al punto di rendere difficoltosa qualsivoglia domanda di futuro, è diventata una condanna e un motivo di dilagante separazione, smarrimento, erranza. Senza nostalgie per un’epoca lontana, anzi prescindendo dalla storia cinese per farsi appunto universale, Al di là delle montagne chiama in causa il proprio pubblico con una domanda prepotentemente novecentesca: quella che riguarda il come vogliamo vivere e specialmente con chi, con quali legami, con quali investimenti personali. E se ancora sia possibile, a fronte di cosa siamo diventati, ripartire dalle persone per costruire, o ricostruire, la società a venire.

Al di là delle montagne [Mountains May Depart, Cina 2015] REGIA Jia Zhang-ke. CAST Tao Zhao, Yi Zhang, Jing Dong Liang, Zijian Dong. SCENEGGIATURA Jia Zhang-ke. FOTOGRAFIA Nelson Lik-wai Yu. MUSICHE Yoshihiro Hanno. Drammatico, durata 131 minuti.

8. Revenant – Redivivo

Dall’uomo alla Natura
Durante una spedizione nel Nord America all’inizio dell’800, un gruppo di esploratori, alla ricerca di pelli da poter rivendere, viene attaccato da una tribù di indiani. In trenta perdono la vita ma gli altri si salvano grazie alla prontezza di Hugh Glass (DiCaprio), un trapper. Poco dopo lo stesso Glass sarà vittima di un feroce attacco da parte di un grizzly. Abbandonato da tutti e appeso alla vita con un filo, Glass dovrà lottare per sopravvivere. Il film che, secondo tutti, porterà Leonardo DiCaprio a stringere fra le mani la tanto agognata statuetta, dopo essersi già aggiudicato il Golden Globe, e sempre che il famoso orso non gliela scippi all’ultimo, è un dramma metafisico che, per comodità, viene inserito nel calderone del genere western. In realtà, una volta allontanate l’idea di frontiera, le distese immense riprese in campi lunghissimi (poche e rapide), la figura dell’eroe che si deve redimere o riabilitare, la dialettica bene/male che rappresenta lo scontro fra i bianchi e gli indiani, quello che resta è il racconto di un uomo che abbandona le sue vesti umane per rinascere nella Natura. Alejandro González Iñárritu ripropone la stessa idea di regia che gli è valsa l’Oscar 2015 per Birdman, adattandola a un contesto aperto e, ipoteticamente, infinito, e spostando la fonte della visione dal regista all’autore. Quello che in Birdman era ricerca di una narrazione in tempo reale fisicamente appoggiata sulle sue spalle o su quelle dell’operatore, in The Revenant si stacca dalle briglie diventando occhio etereo che ricerca dettagli e dinamiche impossibili. Nella sequenza del primo attacco, ad esempio, la macchina da presa fluttua andando a cercare il centro di un’azione, soffermandosi sul corpo a corpo di Glass e, subito dopo, salendo sul cavallo di un indiano Pawnee. Si ha come la sensazione di essere già dentro al futuro, di indossare un visore a 360° capace di allargare lo spazio inquadrato ben oltre i limiti del quadro stesso , di non essere più legati all’occhio del Novecento e di poter attraversare la storia come se fosse non tanto un videogioco ma uno spazio virtuale, onirico completamente esplorabile da una posizione privilegiata. Attraverso questo occhio avvolgente vediamo Glass morire e rinascere, lasciare le sue spoglie, perdere gli affetti e, una volta soddisfatto l’ultimo afflato di umanità, la vendetta, diventare parte della Natura: non una bestia ma un essere nuovo, immortale, messianico, destinato a un’eternità solitaria.

Revenant - Redivivo [The Revenant, USA 2015] REGIA Alejandro González Iñárritu. CAST Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Will Poulter, Domhnall Gleeson, Paul Anderson. SCENEGGIATURA Alejandro González Iñárritu, Mark L. Smith. FOTOGRAFIA Emmanuel Lubezki. MUSICHE Ryūichi Sakamoto, Carsten Nicolai, Bryce Dessner. Drammatico/Western, durata 156 minuti.

9. È solo la fine del mondo

Primi piani
Arriva - per la prima volta in contemporanea con quasi tutto il resto del mondo - nelle nostre sale Xavier Dolan, autore odiato/amato, pop e “chic”, che con È solo la fine del mondo aggiunge un altro importante tassello alla sua sorprendente carriera. Dividendo, come del resto solo i grandi artisti, sia il pubblico che la critica, Dolan questa volta si cimenta nella trasposizione di un testo teatrale di Jean-Luc Lagarce che gioca con la componente claustrofobica degli interni degli immobili e degli animi dei personaggi. Tutto opprime e la verbosità alla fine non riesce a far uscire la verità: parlano troppo ma non dicono niente, non lesinano le emozioni ma allo stesso tempo le reprimono. Antitesi che sembrano banali ma che invece sono il vero significato dell’opera. Dolan sguazza in questa incomunicabilità esaltando la potenza del mezzo cinema ancorato alla possibilità di “far vedere” i pensieri. Se il testo teatrale fa dell’immobilità della scena il punto di forza in cui le battute sono la vera azione, al cinema possiamo capire ciò che è rimosso e non si può esprimere con la parola. E così arrivano i ricordi d’infanzia, il primo amore evocato toccando il materasso in cui nasceva l’amore, le scene rubate dietro a dei vetri opachi. Si fatica a comprendere il perché sia stato fischiato e bistrattato dalla critica a Cannes (dove ha vinto invece il Gran Premio della Giuria): È solo la fine del mondo è un bignami del cinema dolaniano con la sua estetica da videoclip, la musica ad alto volume, l’omosessualità esposta e la figura della madre matrona. Anche qui la Martine di Nathalie Baye è il collante tra la confusione e la razionalità, tra il rapporto squilibrato dei figli, la sola che forse ha già capito ma che per rispetto e affetto non esprime i suoi dubbi. Una madre che non deve più essere uccisa (J'ai tué ma mère), non è una stralunata immatura (Les Amours imaginaires) non deve fare delle scelte funeste (Mommy), ma che cerca di amare tutti soltanto per salvare il salvabile. Struttura con uno schema drammatico con incipit, svolgimento e risoluzione, cadenzato da un ritmo opprimente che esplode nel bellissimo finale. Melò fatto di lacrime e sudore, confezionato con un vigoroso e strillato piglio critico: sull’istituzione della famiglia e sulla solitudine e l’autostima. Una prova sull’essenza del primo piano, esibito e completo. Un momento di autoanalisi per Dolan che non annoia, perché verosimile e identificante. Semplicemente un gran film.

È solo la fine del mondo [Juste la fin du monde, Canada/Francia 2016] REGIA Xavier Dolan. CAST Gaspard Ulliel, Nathalie Baye, Léa Seydoux, Vincent Cassel, Marion Cotillard. SCENEGGIATURA Xavier Dolan (tratta dall'omonima piéce teatrale di Jean-Luc Lagarce). FOTOGRAFIA André Turpin. MUSICHE Gabriel Yared. Drammatico, durata 95 minuti.

10. The Witch

Totem e tabù
Diciassettesimo secolo, New England. William, per non aver rispettato le leggi della comunità, viene allontanato assieme alla sua famiglia da una colonia puritana. Sua moglie Katherine è incinta e durante l’esilio dà alla luce il loro quinto figlio, Samuel, che scomparirà nel nulla, rapito da una misteriosa entità. La più grande qualità di The Witch è senza ombra di dubbio quella di sapersi mostrare come se fosse un grande racconto popolare. Il suo secondo pregio è invece quello di non voler concretizzare del tutto la forza di una rappresentazione dell’ambiguo che poteva dare più slancio a quello stesso racconto rischiando però di farlo addentrare anche in un pericoloso vicolo cieco. Ciò che subito appare molto interessante è infatti come Eggers riesca a costruire una narrazione che rispetti i canoni della leggenda mistica, con elementi simbolici e una struttura dal grande impatto metaforico. Tuttavia è l’apparato stilistico che ha effettivamente una marcia in più: naturalismo da cinema contemplativo, squarci da videoclip d’autore (pensiamo alla sequenza nella quale viene per la prima volta mostrata quella che dovrebbe essere la strega) e una fotografia che ci verrebbe da definire impressionista (per come riesce a farci comprendere la percezione sensoriale dei vari protagonisti) fanno tutto il lavoro più sporco. Ma dove sta dunque il fulcro espressivo dell’impianto visivo eretto dal regista americano? Quali sono gli argomenti che riesce a far emergere con più forza? Se si scava, e nemmeno troppo a fondo, le immagini di The Witch ci dicono che il discorso ruota chiaramente attorno a tre elementi freudianamente fondamentali: il senso di colpa, i totem e i tabù. Due temi portanti sono infatti quello dell’orrore per l’incesto e quello dell’animismo e della magia. Ed è facile giocarli all’interno di un nucleo familiare - potrebbe sostenere qualcuno - ma non così facile sfumarli rendendoli allo stesso tempo chiari e sfuggenti. Le domande essenziali che dobbiamo farci per comprendere il “senso” del film, alla fine restano comunque due: stiamo assistendo alla proiezione della vita mentale di uno dei protagonisti oppure alla creazione di un mondo allegorico che funziona perché vuole dirci qualcosa di più riguardo a miti e leggende di uno specifico contesto socio-culturale? Stiamo parlando di un Reale che vuole mostrarci il potere distruttivo di una nevrosi in un contesto di isolamento o stiamo assistendo alla messa in scena di una grande folktale che vuole immagazzinarne tante altre? Insomma, tabù o totem? Non è facile risolvere il quesito. Ma è proprio lì, nella meraviglia che ci suscita il tentativo di trovare la risposta, che è racchiuso tutto l’incanto e il fascino di questo immaginifico e oscuro film.

The Witch [id., Canada 2015] REGIA Robert Eggers. CAST Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson. SCENEGGIATURA Robert Eggers. FOTOGRAFIA Jarin Blaschke. MUSICHE Mark Korven. Horror, durata 90 minuti.

In questo numero

La Top Ten Mediacritica 2016

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Vince: The Hateful Eight

La Top Ten Mediacritica 2016

Leggi le singole classifiche di:

1. The Hateful Eight

2. Il figlio di Saul

3. Sully

4. Neruda

5. Animali notturni

6. Rogue One: A Star Wars Story

7. Al di là delle montagne

8. Revenant – Redivivo

9. È solo la fine del mondo

10. The Witch